Naturalezas muertas

La expresión a través de las naturalezas muertas 

La naturaleza muerta se utilizó durante el Barroco para reflexionar sobre la fugacidad de los bienes terrenales y de la vida, especialmente en Holanda. No es un hecho casual. 

Este tipo de pinturas exponen un auténtico dilema moral que se planteaba en la sociedad de la época: como conciliar la riqueza y la abundancia con la austeridad que proclamaba la rigurosísima moral calvinista. 

Estos cuadros también transmiten un mensaje dual: aprecia la belleza que te rodea, pero recuerda siempre que es efímera.  Hay que entenderlo no como presunción, sino como fugacidad o vacío.

un poco de poesía para los colores

De mano de Alberti, tres fragmentos de poemas sobre los tres colores primarios.

AMARILLO

Acciono con la luz, soy un activo

cómplice de la luz contra la sombra.

Ella me dice: hermano.

Pero luego el mas mínimo

sobresalto me borra, emblanqueciéndome

Mas tengo el privilegio de ser verde

y desnudarme en otoño en amarillo.

Feliz, risueño, alegre, delicado

en estado puro.

Gualda de sol, pinturas, de Pompeya.

ROJO

Soy el primer color de la mañana

y el último del día

Lucho entre el verde de la fruta y venzo.

Lo mismo que mis otros hermanos, sometido (Giotto)

al rigor del éxtasis geométrico.

Pleno rubor redondo en la manzana.

Me llamo excitación, cólera, rabia,

estallido del día de la ira.

Me violento y subo

hasta de pronto reventar la sangre.

Coágulo cuando ya

casi mi se solidifico en negro.

AZUL

Llegó el azul y se pintó su tiempo

¿Cuántos azules dio el Mediterraneo?

Venus, madre del mar de los azules.

El azul de los griegos

descansa, como un dios, sobre columnas.

El azul Edad Media delicado.

Trajo su virginal azul la virgen:

azul María, azul Nuestra Señora

A LA PINTURA

A ti, lino en el campo. A ti, extendida 

superficie, a los ojos, en espera. 

A ti, imaginación, helor u hoguera, 

diseño fiel o llama desceñida. 

A ti, línea impensada o concebida. 

A ti, pincel heroico, roca o cera, 

obediente al estilo o la manera, 

dócil a la medida o desmedida. 

A ti, forma; color, sonoro empeño 

porque la vida ya volumen hable, 

sombra entre luz, luz entre sol, oscura. 

A ti, fingida realidad del sueño. 

A ti, materia plástica palpable. 

A ti, mano, pintor de la Pintura. 

(A la pintura, 1945-1967)

La intimidad de los materiales

Los materiales utilizados en el dibujo y en la pintura han de comprenderse como prolongaciones del cuerpo. Cada material crea su específico y mágico vínculo que permite la unión íntima entre el pensamiento, la mano, el brazo y el instrumento en uso.
Los trazos más personales son los que se hacen directamente con los dedos, siendo el propio cuerpo del artista el instrumento para su expresión, nada hay más puro que las lineas trazadas en la arena de la playa. Las manos de los hombre de las cavernas, convertidas en chorreantes pinceles convertían las cavernas en hogares y templos llenos de una magia que superaba los límites de cualquier material. Los trazos a lápiz, son como tiernos besos que en ocasiones hieren mortalmente los ojos, con cruentas heridas de amor. Los garabatos, papeles sucios de sudor y manchas acumuladas por el tiempo son huellas de la intima relación con los materiales.

Toda técnica, material e instrumento es vinculo que conecta al artista, y al espectador, desde la intimidad de la obra.

Exposición de Ane Barrainkua.

Hace un par de semanas una de las alumnas más constantes de la academia, Ane Barrainkua, expuso su obra, casi al completo en la galería de Ezkurdi, en Durango. En ella pudimos ver todo su camino artístico desde sus inicios hasta la actualidad, el claro paso del tiempo en el arte.

Cada momento vital es totalmente significativo, y la obra queda como recuerdo, cada cuadro como fracción de la temporalidad fijando el instante, así como la obra al completo nos muestra la evolución, el cambio; aquello que se transforma, el camino, lo que dejo de ser, pero fue necesario para que hoy sea lo que es, aunque sea radicalmente diferente de lo que era.

Desde los primeros trazos, hasta el dominio de la técnica en la que incluir su estilo, encontramos sus diferentes motivaciones, las incontables pruebas, la selección de los colores y los diferentes estilos por los que esta artista ha pasado en su breve camino de pintora.

Con una sinceridad aplastante y una exposición total, ha sido muestra del progreso de la técnica, el interés y las necesidades artísticas de la pasión por la pintura desde la infancia hasta la edad adulta; en pocas ocasiones vemos las obras de juventud e infancia de un camino que se alarga hasta la edad adulta, el interés de dicha exposición no reside, por tanto, tan solo en la evolución de la técnica que aunque evidente es solo una prueba más del proceso de maduración humana.

No sentimos del mismo modo en la infancia que en la adolescencia o en la edad adulta, los colores elegidos y los motivos de los cuadros son muestra de ello. Del mismo modo en que la falta de conceptos lingüisticos limita al niño al tiempo que le deja libre para construirlos e ir más allá de los límites del lenguaje, la evolución de la maestría técnica es perfecta analogía para esta adquisición del lenguaje, de la madurez, de la capacidad de expresar lo deseado, de la posibilidad de transmitir nuestro universo simbólico.

Así desde motivos florales, hasta religiosos, pasando por paisajes, diferentes, copias, pruebas y obras con abstractos geométricos con diferentes combinaciones de colores, podemos seguir con una rápida mirada el camino de Ane, que deseamos siga adelante, tendiendo un puente entre su camino vital y artístico.

Dualidad floral

Capullo

Habitación de Van Gogh

 Luz y sombra

11: Atardecer

12: Cristo de la paz

Armonías

 Perdidos

 Yin-Yang

Felicidades Ane.

LA COPIA.

"Aquellos que no imitan nada, no producen nada" - Salvador Dalí.

Hace ya muchos años que la idea de la copia se ha denostado hasta niveles insospechados. Incluso a nivel académico la copia se ha dejado de lado, parece ser que  la pintura y el dibujo son medios de expresión personal e introspectivo que parece ya casi no tener contacto con el mundo exterior a la "mente" del artista.

Sin embargo todos copiamos, aunque sea de forma indirecta (cosa que parece descriminalizar este acto) sin embargo en el desarrollo de la técnica todos copiamos ya sean formas de hacer los trazos, ya sea el modo de mezclar las pinturas o el modo de aplicarlas. Lo peor es que ellos ni siquiera parecen saber que está copiando, y esto es algo a lo que habría que poner remedio pues al saber la procedencia de estas técnicas es más fácil aprender sobre ellas. 

Es imposible escapar de las influencias o afirmar que estas no existe, esto no sería más que una pérdida de tiempo, al practicar aquello que nos llama la atención, sea esto de tal autor o tal corriente terminará sacando algo en claro.

Durante siglos la copia ha sido el proceso de formación de los artistas por excelencia, la copia enseña a mirar a través de los ojos de los otros a comprender el modo en el que otro ha visto algo y lo ha puesto sobre su lienzo. Al copiar se copia la técnica del trazo, su forma de mirar y sus sentimientos. 

Prueba de todo esto es las copias que los que hoy reconocemos como grandes maestros de la historia de la pintura comenzaron copiando a los artistas reconocidos en su época.

Así pues creo de vital importancia perder el miedo a la copia, a la influencia a la "pérdida del yo" ese que jamás llegará a desarrollar su técnica por completo si no reconoce el origen de sus técnicas y las niega por haber sido utilizadas por otros.

LA TÉCNICA

La técnica es lo que le permite al artista decir aquello que quiere decir, pero no por ello toda técnica depurada crea una obra de arte. Todos los cuadros de los grandes artistas reconocidos históricamente muestran signos de una gran técnica y maestría, pero no todas sus obras tienen alma, sin embargo los garabatos de los niños apenas destacan por su maestría técnica pero tienen algo que nos deja asombrados, algo que los hace poseedores de una verdad inexpresable.

Con ello no quiero decir que los cuadros de cualquiera sean igual de válidos que los de los artistas que han dedicado toda su vida a trabajar su destreza, y su técnica ni mucho menos. La técnica es fundamental para el artista pues es el método a través del cual puede expresar lo que desea.

Es normal que en un primer momento nos obsesionen las impurezas de nuestra labor, y que en muchas ocasiones nos frustre que nuestros trazos no sean lo precisos he habrían de ser, sin embargo todo se aprende. 

Hará ya quizá mucho tiempo desde que juntamos la "m" con la "a" y de nuevo la "m" hasta escribir "mamá" y esto adquirió sentido., ¡cuantísimo tiempo pasamos copiando signos sin sentido hasta que de repente todo aquel esfuerzo que parecía vano comenzó a tomar sentido! Poco tiempo pasó hasta poder escribir frases enteras y, lo que es mejor, menos aun pasó para que dejásemos aquellas aburridas letras prefabricadas que copiábamos para que nuestra letra se hiciese realmente nuestra, para que nuestra caligrafía adquiriese ese carácter personal que aún hoy conserva. Y no por todo ello denostamos ese proceso de aprendizaje pues aquellos errores, aquellas formas, y los gustos que nuestra muñeca fue adquiriendo siguen siendo hoy parte de esa esencia que caracteriza nuestra caligrafía... y lo que es mejor ¡se entiende! aunque no sea la necesaria copia de la letra taquigrafica sigue permitiéndonos comunicarnos y de hecho de una manera más profunda que la escritura mecanografiada pues nuestra prisa, desgana u orden se pueden ver ahí reflejados.

Creo que este ejemplo ilustra lo que quiero decir, la técnica es importante, imprescindible de hecho, pero la más expresiva no tiene por que ser aquella que más se parezca a lo copiado del mundo real, y los artistas de nuestra historia han demostrado ya esto con creces.

LA MIRADA

Pintar es principalmente mirar de cerca. El artista a través de su obra muestra lo que ve, o mejor dicho, cómo ve aquello, que quizá a simple vista no todas las sensibilidades pueden percibir, y en la obra sale a relucir esa particular visión del mundo. Esa visión del mundo se encuentra completamente impregnada por la experiencia particular del artista, se encuentra en él, pero es comprensible, es por ello una manera de comunicarse; de comunicarse con aquellos que ven su obra y en especial consigo mismo.

La mirada artística no es en ningún caso una mirada apresurada, siempre detenida y siempre necesitada de tiempo, tiempo para mirar, tiempo para decidir, seleccionar, pintar (sobre todo el hecho de pintar, el acto en sí, aquello que muchos afanes apresurados olvidan que es lo más importante) y volver a mirar la obra una vez finalizada y una vez transcurrido el tiempo.

La mirada se transcribe además en la técnica, en la metodología. El mayor ejemplo de cómo el modo de mirar el mundo determina por completo la técnica utilizada, fue la gran revolución que el impresionismo supuso en la historia del arte, pero ya llegaremos a ello más adelante.

La copia, el hecho de prestar atención a la mirada de otro, tan detenidamente como para hacerla nuestra y devolverla con nuestra mirada tampoco es asunto de moco de pavo.

El interés de la pintura radica de hecho en la mirada por encima de la exactitud, sino la fotografía habría desbancado tan digno quehacer hace ya mucho tiempo y desde luego no es así. Es cierto que la fotografía es otra expresión del arte de mirar, pero a través de la selección y la pintura trae consigo el acto de hacer y crear. No hay comparación posible, las técnicas que llevan impresas la mirada de los pintores expresan sentimiento y causan emociones que la fotografía pierde en su metodología.

Así pues lo primero que ha de aprender cualquier alma sensible que desee saber de la compresión artística del mundo es a mirar.

Bienvenidos a Academia Kurutziaga, para todos aquellos que gusten de la pintura, el dibujo y otras formas de expresión artística. Para todos aquellos que quieran mejorar o incluso empezar a desarrollar su técnica o simplemente para aquellos que quieran informarse respecto a que hicieron otros y sobre todo al por qué.

Encontrarán aquí Seis secciones principales, interrelacionadas entre sí, pero individualmente desarrolladas, pensado para aquellos que solo tengan interés en algún tema en especial y también para aquellas mentes curiosas y abiertas que deseen indagar hasta más allá de las fronteras de lo que el blog ofrece.

En primer lugar, en ésta, la "página principal", encontrarán información sobre el blog, y las últimas noticias en exposiciones y movimientos artísticos cerca de nuestras fronteras paredísiticas de la situación geográfica de la academia en Durango.

En segundo lugar lo que hemos llamado "sección de historia" les presentamos una comparación de las diferentes maneras de expresar que han tenido artistas relevantes de la historia, cómo cada uno de ellos vio los grandes temas de la pintura, y como adecuaron su técnica a las técnicas de la época. Lección de historia, para los curiosos, para los que busquen diferentes fuentes de inspiración y en especial, para defender la tesis de que la cuestión fundamental del arte es como se ve lo que hay, por encima de lo que hay.

En tercer lugar, en "la voz de la expresión" encontramos una gran variedad de reflexión filosófica y estética del arte, la expresión y los artistas. No daré muchos más datos aquí que los que luego se encontrarán por la expontaneidad requerida para dicha sección (No se hace responsable a Juan de las opiniones ahí expresadas).

En cuarto lugar, encontrareis un "Curso virtual de dibujo", perfecto para todos aquellos que quieran iniciarse en el dibujo, para recordar las bases de este, y para pulir y perfeccionar la técnica de los ya entendidos en la materia.

En quinto lugar "Cuadros de alumnos" expondremos las últimas obras de los alumnos de la academia. Siempre es bello saber sobre que están haciendo otros. Sobre cómo niños y adultos, se expresan a través del dibujo y la pintura, además de ver y diferenciar los diferentes materiales y las diferentes técnicas aquí utilizadas.

Por último, pero no por ello menos importante, damos aquí muestra e información de la gran pasión de Juan, la "Aerografía", tendremos pues oportunidad de saber aquí de su trabajo.

Esperemos sea de vuestro agrado.

¡Hasta más pintar!